La propuesta
Escuchar es un arte que se entrena. ATLAS. Música San Andrés propone un viaje apasionante para oyentes curiosos, una exploración profunda de la historia del pensamiento humano a través del sonido. Diseñado para quienes sienten que hay algo más detrás de la música que escuchan, pero no saben exactamente qué. A lo largo de ocho encuentros online en vivo y uno presencial, transformaremos juntos nuestra manera de escuchar, compartiendo el recorrido con personas atravesadas por la misma curiosidad cultural y sensibilidad musical.
Cada sesión parte de una obra icónica -una misa de Palestrina, una fuga de Bach, una sinfonía de Beethoven, una pieza de Miles Davis- que es el disparador a una conversación más amplia: cómo evolucionó el lenguaje musical, cómo influyeron las ideas que dominaban esa época, qué tensiones culturales atravesaban a esos artistas y por qué esa música todavía hoy sigue teniendo mucho para decirnos. Recorreremos los inicios desde la Edad Media, hasta nuestros días.
No hacen falta conocimientos técnicos ni formación previa: nuestro objetivo es ayudarte a descubrir una manera de escuchar que cambiará tu relación con la música para siempre.
ATLAS. Música San Andrés.
> Bienvenido a una nueva manera de escuchar.
El profesor Alejandro Mashad te cuenta todo sobre esta nueva propuesta
La Transformación.
Al terminar el Programa habrás:
aprendido una nueva forma de escuchar la música
Entendido las lógicas detrás de los estilos musicales
Adquirido un mapa mental claro de la historia musical
Ganado seguridad para hablar de música con otros
Acrecentado tu capacidad de disfrute de la experiencia artística
Programa de clases
- Clase 1 — El nacimiento de la firma – Missa Papae Marcelli (Palestrina)
Antes de que existiera la figura del “músico”, la música habitaba el mundo como un acto colectivo y sagrado. Durante el Renacimiento, alguien decide firmar lo que compone. Con ese gesto nace una idea que todavía nos define: que detrás de cada obra hay una visión, una voz, un autor. El viaje de la música moderna parte exactamente desde este punto. - Clase 2 — La arquitectura del sonido – Tocata y Fuga en Re menor (J.S.Bach)
El Barroco construyó la música como quien levanta una catedral: con matemática, con tensión estructural y con la inmensa ambición de que cada parte sostenga el todo. La música posee una obsesión característica de su tiempo: convertir complejidad y exceso en belleza. La ornamentación, el dramatismo y la precisión estructural convivieron en obras que buscaban impresionar, conmover y revelar un orden oculto detrás del caos. - Clase 3 — La música del equilibrio: Sinfonía n.º 40 (W.A.Mozart)
El siglo XVIII imaginó que la razón, el equilibrio y la claridad podían organizar no solo la política y la ciencia, sino también el arte. La música del Clasicismo refleja esa sensibilidad: formas precisas, estructuras elegantes y una búsqueda constante de armonía. Pero bajo esa superficie ordenada también empiezan a insinuarse emociones más complejas y contradictorias. - Clase 4 — El nacimiento del artista moderno: Sinfonía n.º 5 (L. van Beethoven)
Cuatro notas. Con ese motivo mínimo, Beethoven no solo compuso una sinfonía, sino que forjó para siempre la figura del artista que ha perdurado hasta hoy. Es el creador que impone su voluntad sobre el material, que convierte la lucha interna en forma sonora y hace de la música una declaración existencial definitiva. Antes de Beethoven, el compositor servía a la corte; apartir de él, empezó a exigirle al mundo. - Clase 5 — El abismo interior: Nocturno No.13 Op.48 (F.Chopin)-Muerte de amor, Tristán e Isolda (R.Wagner)
El siglo XIX le confió a la música lo que ningún otro arte podía sostener con tanta fuerza: el peso completo de la experiencia interior y lo irracional como territorio legítimo del arte. En este siglo, la música expande radicalmente su capacidad expresiva. Wagner lleva la armonía al límite, dando paso a una revolución. El Romanticismo hizo de la subjetividad, la pasión y el drama interior uno de los grandes temas del arte moderno. - Clase 6 — La bomba estalla: La consagración de la primavera (I. Stravinsky)
El siglo XX no ofreció una sola respuesta sino muchas, simultáneas y en conflicto. La Consagración de la Primavera fue el punto de ignición: la noche en que el público parisino estalló y quedó claro que el lenguaje heredado había llegado a su límite. Lo que vino después no fue una nueva dirección sino una explosión en todas direcciones a la vez. El siglo XX es el momento en que la música deja de tener un centro, y cada compositor asumió el desafío de inventar su propio vocabulario. - Clase 7 — El presente continuo: Rhapsody in Blue (G.Gershwin)-A kind of blue (M. Davis)
La música encuentra una forma inédita de pensamiento: la improvisación como lenguaje, la identidad cultural como materia prima y el presente como la única partitura posible. El jazz redefine drásticamente qué significa componer, ejecutar y escuchar. Algunos lo llevan a las grandes salas de concierto; otros lo empujan hasta el límite de lo que el sonido puede decir. Los dos gestos son igualmente revolucionarios. - Clase 8 — El silencio y la máquina: Spiegel im Spiegel (A. Pärt) y el sonido de hoy.
Después de décadas de ruptura y experimentación vertiginosa, la música contemporánea aprendió también a habitar el silencio y la repetición. Exploraremos cómo construir con poco y encontrar una nueva densidad emocional a través de la sustracción y la repetición. Menos notas, más espacio. Un cierre para repensar cómo escuchamos hoy, en un mundo donde la tecnología disuelve las fronteras entre el autor y la máquina. - Bonus Escucha guiada en vivo en concierto
